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PLUS QU’UNE MUSIQUE, UN MODE DE VIE

La Bossa Nova a été l’un des mouvements musicaux les plus populaires et caractéristiques du vingtième siècle. Tout au long des années 1960, des milliers d’artistes, principalement des compositeurs et des poètes, ont enregistré et interprété de belles chansons.

La Bossa Nova reste à ce jour l’un des sons les plus distinctifs et définitifs de la culture populaire brésilienne du vingtième siècle. C’était un mouvement musical commencé initialement par des compositeurs (et des poètes) mais qui a évolué pour devenir bien plus, ouvrant la voie à de nombreux musiciens au cours des 60 dernières années. En fait, certains disent que ce n’est même pas un genre mais plutôt un style de performance.

Bien que relativement simple dans sa formation, c’est un style de musique merveilleusement sophistiqué et créatif ; la profondeur et le sens de ses paroles seules motivent les étrangers à apprendre le portugais.

Les années dorées de la Bossa Nova s’étendent de 1958 à 1964. Les années 1950 ont été une décennie d’industrialisation rapide au Brésil, apportant une vague de modernité dans l’architecture, le design, le cinéma et la musique. C’était une période de transformation et de changement social au Brésil, une époque de boom qui a vu des plans pour construire une nouvelle capitale, Brasilia, au cœur du pays.

Le lieu de naissance légitime de la Bossa Nova était Rio de Janeiro, dans les quartiers de Copacabana, Ipanema et Leblon. Les étudiants universitaires, les poètes et les musiciens de divers horizons se réunissaient et organisaient des sessions d’improvisation dans leurs appartements.

Naturellement, pour ne pas déranger les voisins, leur style et leur composition ont donné lieu à un type de musique « plus douce » que celle popularisée auparavant, unissant une myriade d’influences. Avec le temps, ils ont réalisé qu’ils commençaient à définir un nouveau son d’harmonies et de mélodies entrelacées, le tout sur un style vocal doux et une percussion rythmique douce.

L’émergence de la Bossa Nova a réuni un groupe improbable d’interprètes : Antônio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Candinho, João Gilberto, Carlos Lyra, Roberto Menescal, Nara Leão, Ronaldo Bôscoli, Baden Powell, Luizinho Eça, les frères Castro Neves, Newton Mendonça, Chico Feitosa, Lula Freire, Durval Ferreira, Sylvia Telles, Normando Santos et Luís Carlos Vinhas. Ces musiciens, compositeurs et artistes, fatigués des voix d’opéra trop jouées à la radio et de la scène samba plutôt figée, cherchaient quelque chose de nouveau. Ce son représentait vraiment les habitants de Rio et définissait l’esprit renouvelé de la nation.

Des superstars internationales comme Frank Sinatra et Chet Baker influençaient déjà des artistes tels que João Donato et Billy Blanco. Mais la Bossa Nova avait aussi quelque chose à dire à travers ses paroles. Rio avait désormais une plateforme pour raconter son histoire sur la vie des protagonistes de la musique, un nouveau style de vie urbain insouciant (soleil, mer et filles).

Il y avait trois éléments architecturaux à la Bossa Nova telle que nous la connaissons aujourd’hui :

  • Les voix et le jeu de guitare de João Gilberto
  • La composition d’Antônio Carlos Jobim
  • Les paroles de Vinicius de Moraes

João Gilberto, ayant quitté Bahia en 1950, a passé plusieurs années à chercher du travail tout en développant assidûment son style unique de jeu de guitare. La légende raconte qu’il a passé huit mois à perfectionner son métier dans la salle de bain de sa sœur. Son impact a été immédiat.

Antonio Carlos Jobim a apporté à la scène toute une série d’influences musicales d’Europe (Debussy, Ravel), d’Amérique (Nelson Riddle) et, bien sûr,

du Brésil (Pixinguinha, Custódio Mesquita et Radamés Gnatalli). Pendant la journée, il travaillait pour une maison de disques tout en se produisant le soir dans des lieux de la zone sud de Rio.

Vinicius de Moraes était déjà un poète respecté, dramaturge, journaliste et fonctionnaire des services consulaires brésiliens. Il a rencontré Jobim en 1956, et un partenariat fructueux d’écriture de chansons a rapidement vu le jour.

André Midani, à la tête d’un label de disques international, a également joué un rôle important en signant ces artistes pionniers. D’autres labels indépendants — RGE, Elenco et Forma — ont également aidé à établir une identité visuelle pour le genre en sortant des albums de Bossa Nova ; les pochettes des albums devenaient presque aussi importantes que la musique.

Bien que l’album de 1958 d’Elizete Cardoso, « Canção do Amor Demais », comportait des chansons de Jobim et Gilberto, c’est l’album de 1959 de João Gilberto, « Chega de Saudade », qui présentait des chansons de Jobim et Vinicius, qui est généralement considéré comme le premier véritable album de Bossa Nova. La musique brésilienne ne serait plus jamais la même, et sa nouveauté instantanée signifiait que tout ce qui était vaguement moderne ou alternatif était étiqueté comme étant de la « Bossa Nova ». On pouvait avoir des frigos, des lunettes, des chaussures Bossa Nova, à peu près n’importe quoi.

Trois facteurs essentiels ont contribué au lancement du mouvement à l’international.

Le premier était la production cinématographique française « Orfeu Negro » (Black Orpheus). Tourné à Rio en 1959, la bande-son a été écrite par Jobim, Vinicius et le guitariste Luiz Bonfá. Il a été couronné Palme d’Or au Festival de Cannes, suivi d’un Oscar et d’un BAFTA dans la catégorie Meilleur Film Étranger. La Bossa Nova était une gagnante.

Le deuxième a contribué à exporter le genre aux États-Unis. Dans le cadre de l’initiative « bon voisin » du gouvernement américain, des artistes comme Dizzy Gillespie, Charlie Byrd, Herbie Mann et Coleman Hawkins faisaient des tournées au Brésil. Ils ont rapidement commencé à répandre le mot à propos de ce nouveau son aux États-Unis. Le premier album de Bossa Nova sorti aux États-Unis était en 1962, « Jazz Samba » (le nom Bossa Nova n’avait pas encore pris), par les artistes de jazz Stan Getz et Charlie Byrd. L’album présentait à la fois des compositions originales et des interprétations instrumentales du style. Ce fut un énorme succès, remportant un Grammy pour Getz. La version de deux minutes de « Desafinado » a passé dix semaines dans le Top 40 du Billboard américain.

Le troisième élément décisif fut un concert unique au Carnegie Hall en novembre 1962, qui réunissait un lineup de stars comprenant Jobim, Gilberto, Carlos Lyra, Sergio Mendes et Roberto Menescal, entre autres. Le concert a servi de tremplin pour plusieurs stars aux États-Unis.

La ballade célèbre « The Girl from Ipanema » (Garota de Ipanema) a été publiée en 1964 sur l’album Getz/Gilberto. Elle est restée dans les charts pop du Billboard pendant presque deux ans, a remporté quatre Grammy Awards et a aidé à promouvoir la Bossa Nova à un public mondial. Cependant, au même mois de sa sortie, le Brésil a été sujet à un coup d’État militaire qui signalerait finalement la fin d’une ère pour la Bossa Nova et tout ce qu’elle représentait.

Bien que le mouvement lui-même ait été relativement de courte durée, la musique perdure.

Avec ses nuances mythiques et religieuses, la musique définit et dynamise tout un pays.

Le Samba est une rivière qui coule à travers la musique brésilienne, apportant les sons frais de l’Afrique qui ont migré au Brésil pendant le mouvement des esclaves. Il s’est mélangé à de nombreuses autres influences au cours de son voyage, mais aujourd’hui, il demeure une expression authentique de l’identité afro-brésilienne.

Du Samba-canção (une variante lente et mélodique du Samba des années 1920 à Rio de Janeiro) au Samba de carnaval (un mélange effervescent de Bossa Nova, d’électronique, de hip-hop et de funk carioca qui caractérise les célébrations du carnaval moderne au Brésil), le Samba est aussi riche dans son harmonie que dans ses paroles.

Il est également étonnamment diversifié en termes de variations régionales et culturelles. La composition rythmique du Samba reflète de nombreuses cultures s’étendant sur 500 ans, écho à la coopération historique entre Indiens, Européens et Africains, tout en restant une expression locale. À travers le Brésil, chaque région revendique sa forme de Samba. Le Samba peut être aussi simple qu’une mélodie acoustique jouée par une personne seule ou aussi complexe qu’un défilé d’école de Samba avec une batterie complète (ensemble de percussions, avec un accent sur les tambours). C’est toujours du Samba, sous une forme ou une autre, et des campagnes rurales aux capitales urbaines, la musique est une célébration de la vie et de la communauté.

La manifestation publique la plus célèbre du Samba est le défilé de deux jours du Carnaval à Rio de Janeiro, qui oppose généralement 14 écoles de Samba dans la course au titre de champion du carnaval. D’autres villes, comme São Paulo, organisent des événements similaires pendant la même période, mais l’échelle de l’événement de Rio de Janeiro est inégalée.

Près de 11 mois de travail acharné sont nécessaires à sa production. Chaque école de Samba présente un défilé de Samba « enredo » de 80 minutes (un défilé thématique et samba, qui rend généralement hommage à un aspect significatif de l’histoire ou de la culture brésilienne). Interprété par toute l’école et accompagné de nombreux tambours (la batterie), l’objectif est de captiver les spectateurs qui bordent le Sambadrome (stade construit à cet effet pour de tels défilés) et de convaincre un jury professionnel qui juge selon plusieurs critères (chanson, danse, costumes, chars) que leur école est la digne gagnante.

Les racines les plus profondes du Samba se trouvent à Salvador, l’ancienne capitale coloniale du Brésil et première implantation urbaine. Au milieu des années 1800, la province de Rio de Janeiro comptait déjà une population de plus de 300 000 personnes asservies. Avec l’abolition de l’esclavage en 1888, des milliers d’autres esclaves nouvellement libérés ont migré vers le sud de Bahia à Rio de Janeiro à la recherche d’emploi, peuplant par la suite les quartiers des collines de la ville. Les bidonvilles construits sur ces collines sont devenus ce que l’on appelle les favelas lorsque des soldats ayant combattu dans la guerre de Canudos en Bahia (1897) s’y sont installés. (Favela est le nom d’une plante épineuse qui pousse dans l’intérieur aride de Bahia).

Dans ces nouveaux logements, des rassemblements informels étaient organisés quotidiennement, souvent animés par les Tias Baianas. La plus célèbre hôte était Tia Ciata, qui organisait des réunions de Candomblé (une forme de religion africaine pratiquée au Brésil), suivies de récitals de musique Samba. C’était une invitation ouverte pour les gens de faire la fête et de socialiser.

Lors de ces réunions, le mélange d’influences musicales telles que la marche, le lundu, la polka, l’habanera, le maxixe et le tango a commencé à ressembler à ce que l’on reconnaît aujourd’hui comme un rythme de Samba.

La première école de Samba, Deixa Falar, a été créée en 1928 et a adopté la devise spirituelle « Nous enseignons aussi, mais ici nous apprenons le Samba, » faisant référence à un ancien club d’enseignants situé à côté. Le mouvement Samba a grandi, et bientôt deux autres écoles ont ouvert leurs portes : Mangueira et Portela.

Pendant les années 30, la population blanche du Brésil a commencé à s’identifier au son descendant des collines. Cela a marqué ce qui est généralement considéré comme l’âge d’or du Samba. Le passage de l’enregistrement mécanique à l’enregistrement électrique a contribué à définir cette époque, offrant aux artistes une plus grande gamme, un meilleur ton et des moyens d’expression.

L’aube et l’expansion rapide de la radio ont donné au Samba une autre opportunité de croissance. En 1939, un nouveau genre musical est né, le samba-exaltação (Samba Exaltation). Cette nouvelle vague a été inaugurée avec une chanson qui est rapidement devenue la chanson brésilienne la plus écoutée et jouée à l’étranger, « Aquarela do Brasil » d’Ary Barroso (seule devancée par l’arrivée de « The Girl from Ipanema » dans les années 60, 25 ans plus tard).

Le Samba de Gafieira a pris de l’importance dans les années 40 et 50, fortement influencé par les orchestres de radio des États-Unis. Dans les années 60, les artistes de Bossa Nova et de MPB (Música Popular Brasileira – Musique Populaire Brésilienne) ont embrassé la Velha Guarda, redécouvrant des chanteurs et compositeurs vétérans tels que Cartola et Nelson Cavaquinho. Une nouvelle génération les a rapidement suivis : Paulinho da Viola, Elton Medeiros et, peu après, Martinho da Vila, ainsi que Clementina de Jesus, qui a fait ses débuts en 1964 à l’âge de 63 ans.

Dans les années 70, de nouveaux auteurs-compositeurs sont apparus : João Nogueira, Paulo César Pinheiro, Candeia, Nelson Sargento et Monarco. Ils ont écrit des chansons pour de nouveaux chanteurs de Samba, dont Beth Carvalho, Alcione, Roberto Ribeiro et Clara Nunes.

Les années 80 et 90 ont vu l’émergence d’un dérivé populaire du Samba, le Pagode. Des groupes comme Fundo de Quintal et Raça Negra ont vendu des centaines de milliers d’albums et ont inspiré un mouvement de renaissance vers un Samba plus traditionnel et enraciné.

En bref, le Samba a non seulement une profonde signification culturelle et historique au Brésil, mais il continue également d’évoluer et d’influencer la musique et la société brésiliennes contemporaines à travers ses diverses formes et expressions régionales.

La musique est l’un des aspects les plus importants de la culture brésilienne. Son identité unique provient de la fusion particulière d’éléments européens et africains introduits par les colons portugais et leurs esclaves, ainsi que d’un patrimoine considérable des tribus indigènes et de leur folklore régionalement varié.

Jusqu’au XIXe siècle, le Portugal exerçait un fort contrôle sur ce qui entrait et sortait du Brésil, et était donc responsable de l’introduction de nombreuses caractéristiques musicales, à la fois sophistiquées et populaires, dans la société. Cette influence s’étendait des instruments spécifiques importés aux types d’harmonies utilisées et au développement de la littérature musicale, au cours des premiers siècles de la montée de la colonie. Bien sûr, la majorité de ces caractéristiques n’étaient pas d’origine exclusivement portugaise, mais provenaient en fait de toute l’Europe. Cependant, ce sont les Lusophones qui les ont introduits au Brésil.

La culture africaine a eu une énorme influence sur la diversité des rythmes brésiliens, des danses et des instruments que nous voyons aujourd’hui, surtout en ce qui concerne la musique folklorique et populaire brésilienne, cette influence atteignant son apogée à partir du XXe siècle.

Les échanges culturels avec d’autres pays que le Portugal ont commencé à se développer à partir du milieu du XVIIIe siècle, stimulant l’intérêt pour les opéras italiens et français, ainsi que pour diverses danses comme la zarzuela espagnole, le boléro et l’habanera ; les polkas et valses allemandes, ainsi que d’innombrables rythmes africains.

À partir de la fin du XVIIIe siècle, la musique populaire brésilienne a commencé à acquérir ses tonalités distinctives, s’affirmant vraiment à partir des années 1900, grâce à la propagation généralisée du Lundu, du Choro et du Samba.

La scène musicale brésilienne a vraiment commencé à éclore au XXe siècle, grâce à une mondialisation croissante et à un changement d’attitudes envers une société plus ouverte aux arts. C’est également au cours de cette période que la musique brésilienne est devenue vraiment une entité à part entière, tout en restant fidèle à ses origines comme un mélange de différents styles. Villa-Lobos a été le premier musicien brésilien à combiner les aspects plus raffinés de la musique classique avec des touches et des saveurs brésiliennes distinctives, ouvrant la voie à de futurs compositeurs du « brazilianisme ».

Au cours du même siècle, la musique populaire a commencé à gagner des fans parmi les couches sociales supérieures, transformant un ou deux rythmes en véritables marques brésiliennes, en particulier le Samba, la Bossa Nova, le Tropicalisme et la Jovem Guarda (Jeune Garde). En même temps, le jazz et le rock venus des États-Unis conquéraient le monde, et au Brésil, c’était pareil, bien qu’ils ne puissent pas éviter d’être influencés par les sons locaux une fois ici. La musique folklorique traditionnelle et régionale, telle que la Sertaneja, le Baião et le Forró, ainsi que le célèbre Funk carioca, sont quelques-uns des styles musicaux qui ont connu un succès croissant à travers tout le Brésil au fil du temps.

Grâce à l’apparition de nombreuses écoles de musique, studios d’enregistrement, fabricants d’instruments, orchestres et groupes musicaux, radiodiffuseurs et télédiffuseurs, ainsi que festivals, entre autres éléments, la qualité et la quantité de la musique brésilienne ont connu une croissance exponentielle, devenant maintenant une source de fierté pour les Brésiliens et d’admiration et d’étude à l’échelle mondiale.

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