PLUS QUE DE LA MUSIQUE, UN STYLE DE VIE

La Bossa Nova a été l’un des mouvements musicaux les plus populaires et les plus caractéristiques du 20e siècle. De nombreux artistes, principalement des compositeurs et des poètes, ont enregistré et interprété des chansons magnifiques tout au long des années 60.

La Bossa Nova reste l’un des sons les plus distinctifs et définitifs de la culture populaire du XXe siècle au Brésil. Il s’agit d’un mouvement musical initialement lancé par des compositeurs (et des poètes), mais qui a évolué pour devenir bien plus, ouvrant la voie à de nombreux musiciens au cours des 60 dernières années. En fait, certains disent qu’il ne s’agit même pas d’un genre, mais d’un type de performance.

Bien que relativement simple dans sa formation, c’est un style de musique merveilleusement sophistiqué et créatif ; la profondeur et la signification de ses paroles servent de motivation aux étrangers pour apprendre le portugais.

L’âge d’or de la Bossa Nova se situe entre 1958 et 1964. Les années 1950 ont été une décennie d’industrialisation rapide au Brésil, qui a engendré une vague de modernité en termes d’architecture, de design, de cinéma et de musique. C’était une période de transformation et de changement social au Brésil, une période de boom, avec notamment la construction de la  nouvelle capitale, Brasilia, au cœur du pays.

Le lieu de naissance légitime de la Bossa Nova est Rio de Janeiro, dans les quartiers de Copacabana, Ipanema et Leblon. Des étudiants universitaires, des poètes et des musiciens d’horizons divers se rencontraient et organisaient des sessions de jamming dans leurs appartements. Naturellement, afin de ne pas déranger les voisins, leur style et leur composition étaient d’un type de musique plus « doux » que celui qui avait été popularisé auparavant, réunissant une multitude d’influences. Avec le temps, ils se sont rendu compte qu’ils commençaient à définir un nouveau son, fait d’harmonies et de mélodies entrelacées, le tout dans un style vocal doux et des percussions rythmiques douces.

L’émergence de la Bossa Nova a réuni un groupe improbable d’interprètes : Antônio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Candinho, João Gilberto, Carlos Lyra, Roberto Menescal, Nara Leão, Ronaldo Bôscoli, Baden Powell, Luizinho Eça, les frères Castro Neves, Newton Mendonça, Chico Feitosa, Lula Freire, Durval Ferreira, Sylvia Telles, Normando Santos et Luís Carlos Vinhas. Ces musiciens, compositeurs et artistes, fatigués des chants d’opéra exagérés de la radio et de la scène samba de l’époque, étaient à la recherche de quelque chose de nouveau, d’un son qui représente vraiment le peuple de Rio et capable de définir l’esprit revivifié d’une nation.

Des artistes comme João Donato et Billy Blanco ont été influencés par des stars internationales comme Frank Sinatra et Chet Baker, mais la Bossa Nova avait aussi quelque chose à dire à travers ses paroles. Rio dispose désormais d’une plateforme pour raconter son histoire, la vie des protagonistes de la musique, qui dépeint un nouveau style de vie urbain et insouciant (le soleil, la mer et les filles bronzées).

La Bossa Nova telle que nous la connaissons aujourd’hui repose sur trois éléments architecturaux : tout d’abord, la voix et la guitare de João Gilberto, puis la composition d’Antônio Carlos Jobim et à la fin, les paroles de Vinicius de Moraes.

João Gilberto a quitté son État natal de Bahia en 1950 et a passé plusieurs années à chercher du travail, tout en développant avec diligence son style unique de jeu de guitare. La légende raconte qu’il a passé huit mois à perfectionner son instrument et sa voix dans la salle de bains de sa sœur. Son impact a été immédiat.

Antônio Carlos Jobim a apporté à la scène un éventail d’influences musicales venues d’Europe (Debussy, Ravel), d’Amérique (Nelson Riddle) et, bien sûr, du Brésil (Pixinguinha, Custódio Mesquita et Radamés Gnatalli). Pendant la journée,  il travaillait pour une maison de disques et le soir, dans des salles de la zone sud de Rio.

Vinicius de Moraes était déjà un poète, dramaturge et journaliste respecté, ainsi qu’un fonctionnaire des services consulaires brésiliens. Il a rencontré Jobim en 1956, et un partenariat fructueux d’écriture de chansons s’est rapidement développé.

André Midani, directeur d’un label international, a également joué un rôle important dans la signature de ces artistes pionniers. D’autres labels indépendants – RGE, Elenco et Forma – qui lancent des albums de Bossa Nova, ont également contribué à établir une identité visuelle pour le genre et les couvertures d’album sont devenues presque aussi importantes que la musique.

Bien que l’album “Canção do Amor Demais” d’Elizete Cardoso (1958) comprend des musiques de Jobim et de Gilberto, c’est l’album Chega de Saudade de João Gilberto (1959) qui comprend des musiques de Jobim et de Vinicius, et qui est généralement considéré comme le premier authentique álbum de Bossa Nova. La musique brésilienne ne sera plus jamais la même et, instantanément, tout ce qui est vaguement moderne ou alternatif est étiqueté “Bossa Nova ». Il y avait des réfrigérateurs Bossa Nova, des lunettes, des chaussures, à peu près tout ce qui était une nouveauté.

Trois facteurs importants ont contribué à lancer le mouvement au niveau international.

La première était la production cinématographique française, Orfeu Negro (Orphée noir). Filmée à Rio en 1959, la bande sonore a été écrite par Jobim, Vinicius et le guitariste Luiz Bonfá. Il a été couronné par la Palme d’or au Festival de Cannes, puis par un Oscar et un BAFTA dans la catégorie du meilleur film étranger. La Bossa Nova a été un succès.

Le second facteur a contribué à exporter le genre sur les côtes américaines. Dans le cadre de la politique du « bon voisinage » du gouvernement américain, des artistes tels que Dizzy Gillespie, Charlie Byrd, Herbie Mann et Coleman Hawkins ont effectué des tournées au Brésil et ont rapidement commencé à faire connaître ce nouveau son aux États-Unis. Le premier album de Bossa Nova sorti aux États-Unis en 1962 était Jazz Samba (le nom Bossa Nova ne s’était pas encore imposé), par les artistes de jazz Stan Getz et Charlie Byrd. L’album comprend des compositions originales et des interprétations instrumentales du style. C’est un énorme succès, pour lequel Getz a remporté un Grammy. La version de deux minutes de la chanson Desafinado a passé dix semaines dans le Top 40 du Billboard américain.

Le troisième élément décisif a été un concert unique au Carnegie Hall en novembre 1962, avec les meilleures chansons de Jobim, Gilberto, Carlos Lyra, Sergio Mendes, Roberto Menescal, entre autres. L’émission a servi de tremplin à plusieurs stars aux États-Unis.

La célèbre chanson « Garota de Ipanema » est sortie en 1964 sur l’album Getz / Gilberto. Il est resté au hit-parade Billboard pendant près de deux ans, a remporté quatre Grammy Awards et a contribué à promouvoir la Bossa Nova auprès d’un public mondial. Le mois même de sa sortie, cependant, le Brésil a connu un coup d’État militaire qui a finalement marqué la fin d’une époque pour la Bossa Nova et tout ce qu’elle représentait.

Si le mouvement lui-même a été relativement éphémère, ce style musical est toujours d’actualité.

D’origine profane, mythique et religieuse, cette musique représente, émeut et influence tout  le pays.

La samba est le fleuve qui traverse la musique brésilienne. C’est la richesse de la culture noire qui est venue d’Afrique avec les esclaves.

En cours de route, il a reçu d’autres influences, mais il reste l’une des plus grandes manifestations de l’expression noire au Brésil. De la samba-canção à la samba carnavalesque – ou samba-enredo -, en passant par la Bossa Nova, la musique électronique, le hip-hop et le funk carioca, la samba est riche en rythme, en mélodie, en harmonie, en danse et en paroles.

Elle est également extrêmement diversifiée en raison de son régionalisme et du mélange des races au Brésil. Ces rythmes absorbent une myriade de cultures couvrant les 500 dernières années d’histoire, et sont nés de l’interaction entre Indiens, Européens et Africains.

Une des manifestations publiques de la samba est le défilé des écoles de samba à Rio de Janeiro. Pendant deux jours, quatorze écoles défilent dans le Sambodrome de Rio. D’autres villes organisent des événements similaires pendant le carnaval, mais l’événement de Rio est unique et imposant. Près de onze mois de travail sont nécessaires pour produire le défilé. Chaque école de samba choisit le thème de son samba-enredo, pour raconter cette histoire sur le podium pendant 80 minutes. En général, elle est liée à un aspect de l’histoire et de la culture brésiliennes.

Chantée par toute l’école et accompagnée par la bateria – avec le son de centaines de tambours différents, tambourins, surdos, agogôs, cuícas, reco-recos, entre autres instruments qui composent un orchestre de centaines de batteurs – l’objectif de l’école est d’impressionner le public et de convaincre le jury, qui décidera du gagnant en fonction de la chanson, des chars, des danseurs de samba, du groupe de tête, des « baianas » (danseurs), des costumes, etc.

Les racines les plus profondes de la samba se trouvent dans la ville de Salvador, capitale de Bahia, qui était la capitale du Brésil à l’époque coloniale et la première implantation urbaine du pays. Au milieu des années 1800, la province de Rio de Janeiro comptait une population de plus de 300 000 esclaves.

Après l’abolition de l’esclavage en 1888, des milliers d’anciens esclaves ont quitté Bahia pour Rio à la recherche de travail et ont occupé les quartiers et les collines de la ville. Les communautés construites sur ces pentes sont devenues connues sous le nom de favelas lorsque des soldats combattants dans la guerre des Canudos à Bahia (1897) se sont installés dans la région. Favela était le nom d’une plante épineuse qui poussait dans l’intérieur aride de Bahia.

Dans ce nouveau scénario, les réunions informelles étaient courantes, dans les maisons des « tias baianas ». La plus célèbre était Tia Ciata, qui organisait des réunions de candomblé (une forme de religion africaine pratiquée au Brésil), suivies de chants. C’était une invitation ouverte pour les gens à faire la fête et à socialiser.

C’est lors de ces rassemblements que le mélange d’influences musicales telles que la marche, le lundu, la polka, la habanera, le maxixe et le tango, a commencé à ressembler à ce que nous reconnaissons aujourd’hui comme le rythme de la samba.

Les grands talents musicaux de l’époque se réunissaient dans l’attente de jouer lors de fêtes et de séances de capoeira et de « batucada ». Accompagnés d’instruments de percussion, de tambours ouest-africains mélangés à des guitares et des ukulélés portugais, les musiciens improvisaient des paroles et des vers, qui étaient répétés par les autres participants.

La première école de samba, appelée Deixa Falar, a été créée en 1928. On l’appelait école en raison d’une analogie avec une école de formation, qui était opposée. Ils ont dit : « Nous enseignons aussi, mais ici nous apprenons la samba. » Les écoles de samba ont commencé à se développer avec la création de deux autres qui ont vu le jour après Deixa Falar : Mangueira et Portela.

Dans les années 1930, la population blanche (et les compositeurs blancs) ont commencé à manifester un certain intérêt pour la musique qui provenait des morros. En 1930, la samba a entamé ce que l’on a appelé l’âge d’or. Ce moment a été déterminé par le changement des techniques d’enregistrement – de la mécanique à l’électrique – donnant à l’intervalle, au timbre et à l’expression des voix enregistrées beaucoup plus de couleur et de force.

L’émergence et l’expansion rapide de la radio ont été une autre raison de la croissance de cet intérêt. En 1939, une nouvelle phase musicale commence, celle de la Samba-exaltação. Cette phase a été inaugurée par une chanson qui est devenue la chanson brésilienne la plus écoutée et interprétée à l’étranger, Aquarela do Brasil, d’Ary Barroso, qui est devenue un symbole musical du Brésil dans le monde entier pendant plus de 25 ans sans interruption, jusqu’à l’arrivée de Garota de Ipanema, de Vinicius de Moraes et Tom Jobim, dans les années 1960.

La Samba de Gafieira, quant à elle, a gagné en importance dans les années 1940 et 1950, sous l’influence des orchestres radiophoniques des États-Unis. Dans les années 1960, les compositeurs de Bossa Nova et de MPB ont formé des partenariats avec la Velha Guarda, redécouvrant des chanteurs et des compositeurs vétérans comme Cartola et Nelson Cavaquinho, qui ont fini par revenir dans les hit-parades. Ils sont suivis par une nouvelle génération : Paulinho da Viola, Elton Medeiros et, peu après, Martinho da Vila, ainsi que Clementina de Jesus, qui fait ses débuts en 1964, à l’âge de 63 ans.

Dans les années 1970, de nouveaux noms sont apparus : João Nogueira, Paulo César Pinheiro, Candeia, Nelson Sargento et Monarco ont composé des chansons pour les nouveaux chanteurs de samba, notamment Beth Carvalho, Alcione, Roberto Ribeiro et Clara Nunes.

Les années 80 et 90 ont vu l’énorme succès d’un autre type de Samba, le Pagode. Des groupes comme Fundo de Quintal et Raça Negra ont vendu des centaines de milliers d’albums, ce qui a inspiré un retour à la Samba de raiz et a également influencé d’autres styles musicaux.

La musique est l’un des aspects les plus importants de la culture brésilienne. Son identité unique provient de la fusion d’éléments européens et africains apportés par les colonisateurs portugais et les africains, ainsi que d’un héritage des tribus indigènes et de leur folklore régional varié.

Jusqu’au XIXe siècle, le Portugal a exercé une forte influence sur ce qui entrait et sortait du Brésil et a donc été responsable de l’introduction dans la société de nombreuses caractéristiques musicales, tant les plus sophistiquées que celles destinées aux masses. Cette influence s’étend des instruments spécifiques apportés, aux types d’harmonies employées et au développement de la littérature musicale, au cours des premiers siècles de l’essor de la colonie. Évidemment, la plupart de ces ressources n’étaient pas d’origine exclusivement portugaise, mais provenaient de toute l’Europe, mais ce sont les Portugais qui les ont introduites au Brésil.

La culture africaine a eu une énorme influence sur la diversité des rythmes, des danses et des instruments brésiliens que nous connaissons aujourd’hui, notamment en ce qui concerne la musique populaire brésilienne, cette influence ayant atteint son apogée à partir du XXe siècle.

Les échanges culturels avec les pays extérieurs au Portugal ont commencé à se développer à partir du milieu du 18e siècle, stimulant l’intérêt pour les opéras italiens et français et pour les différentes danses, telles que la zarzuela espagnole, le boléro et la habanera, les polkas et les valses allemandes, ainsi que de nombreux rythmes africains.

À partir de la fin du XVIIIe siècle, la musique populaire brésilienne a commencé à acquérir des tonalités distinctives, se consolidant réellement à partir des années 1900, grâce à la large diffusion du Lundu, du Choro et de la Samba.

La scène musicale brésilienne a véritablement commencé à s’épanouir au cours du XXe siècle, grâce à la mondialisation croissante et à l’évolution des mentalités vers une société plus ouverte aux arts. C’est également à cette époque que la musique brésilienne a trouvé sa propre entité et a réussi à se distinguer complètement en restant fidèle à ses origines avec un mélange de différents styles. Villa Lobos est le premier musicien brésilien dont l’œuvre combine les aspects les plus raffinés de la musique classique avec des touches brésiliennes distinctives, ouvrant la voie aux futurs compositeurs du « brasilismo ».

Au cours du même siècle, la musique populaire a commencé à conquérir les plus hautes sphères de la société, transformant un ou deux rythmes en véritables marques brésiliennes, notamment la samba, la bossa nova, le tropicalisme et la jovem guarda. À la même époque, le jazz et le rock des États-Unis conquièrent le monde, et il en va de même au Brésil, bien qu’ils ne puissent s’empêcher d’être influencés par les sons locaux une fois sur place. La musique folklorique régionale et traditionnelle, comme le Sertanejo, le Baião et le Forró, ainsi que le célèbre Rio Funk, ne sont que certains des styles musicaux qui ont connu un succès croissant dans tout le Brésil au fil du temps.

Grâce à l’émergence de nombreuses écoles de musique, de studios d’enregistrement, de fabricants d’instruments, d’orchestres et de groupes musicaux, de stations de radio et de télévision et de festivals, entre autres éléments, la qualité et la quantité de la musique brésilienne ont connu une croissance exponentielle et sont devenues une source de fierté pour les Brésiliens et d’admiration dans le monde entier.